O americano Craig Tracy, de Nova Orleans, é o nome por trás dessas pinturas corporais incríveis. A inspiração para se tornar um artista plástico veio da infância, ao observar corpos pintados durante o festival Mardi Gras.

Sua vida como artista começou aos 16 anos, quando trabalhou como ilustrador em um shopping center. Após se formar em Belas Artes, Craig abandonou a carreira de ilustrador por achar que era um trabalho que tirava o sentido de sua arte.

Craig levou alguns anos para levar a sério sua habilidade para pintar corpos. Em 2006 o artista virou colecionador, ele abriu uma galeria especializada em pintura corporal com obras de todo o mundo. A galeria que fica em Nova Orleans, expõe fotos, gravuras em tela e papel, além de livros e vídeos sobre a pintura corporal. Craig também dá palestras sobre o assunto.

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Podemos dizer que só Leonardo da Vinci é Leonardo da Vinci para criar uma obra magnífica e enigmática como Mona Lisa, mas também não podemos negar que vários outros artistas conseguiram recriar o quadro de maneiras incríveis.

Uma delas é esta versão “informática”, criada por um artista desconhecido. Ela está exposta da sede da empresa ASUS em Taiwan – em Taipei, mais precisamente. Ela é feita inteiramente com placas-mãe. Muito criativo!

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O retrato de Michael Jackson feito por Andy Warhol na fase Thriller do rei do pop foi colocada a leilão na Christie’s de Nova York ontem. A casa calculou que a obra alcançaria os lances entre 500 e 700 mil dólares, mas um colecionador anônimo foi além.

O quadro de 1984 que mostra o cantor sorrindo com riscos vermelhos e amarelos em seu cabelo foi vendido por nada mais, nada menos que 812.500 dólares.

De acordo com a Christie’s, o quadro também pertencia a um colecionador anônimo de Nova York mesmo, que comprou a obra na década de 90.

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Stephen Wiltshire é um britânico que aos três anos de idade foi diagnosticado com autismo e provavelmente é tão condição que o faz ter uma memória fotográfica impressionante. Aliada à sua destreza na arte do desenho, Stephen gosta de desenhar cidades.

Londres, Tóquio, Hong Kong, Roma, Madrid, Frankfurt, Dubai e Jerusalém já viraram obras de arte perfeitas pelas mãos do desenhista. A sua mais nova tela é a de Manhattan, ocupando 5 metros de seu ateliê.

Stephen só precisou de um passeio panorâmico feito de helicóptero pela cidade. Após 20 minutos já possuía todos os detalhes guardados na cabeça, e ele não se esquece de nenhum prédio ou rua.

É impossível não se comover com o seu trabalho.

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O tatuador Scott Campell já é famoso por seu trabalho na pele das pessoas, mas recentemente ele fez uma exposição em uma galeria de arte de Miami que vai além da tinta.

Batizada de Make It Rain, a exposição traz notas de dólar cortadas com laser, formando imagens incríveis. Veja mais fotos a seguir.

Ele também possui outros tipos de obras, clique aqui para conferir.

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Megpi é uma chef de cozinha de Silver Lake, Califórnia, que adora publicar fotos de suas criações em sua página no Flickr. Uma delas é este bolo, o The Impressionist Cake.

Ela pegou elementos de obras de Van Gogh e Monet e repassou-os para o doce em forma de uma deliciosa cobertura cult.

Quem ama arte pode ficar na dúvida se come o bolo ou se deixa a gostosura exposta na sala de estar.

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Sabe aquele brinquedo “Senhor Cabeça de Batata”? Pois perto destes aqui, o brinquedo perde o sentido. Acontece que o artista libanês Ginou Choueiri focou as suas obras de artes em batatas. Nada de mármore, nada de argila, nada de madeira – seu trabalho todo é feito em batatas que nascem esquisitas e que ninguém quer comprar.

São nessas batatas que ele faz os desenhos de rostos humanos com uma semelhança incrível. Para ficar tão re
al ele precisa ser detalhista. “Eu escolho a batata para fazer um retrato da face humana por conta de vários paralelos importantes: a pele porosa, a cor similar e, assim como nós, elas vem em tamanhos e formatos diferentes”, explica Ginou.

Clique aqui para conferir mais fotos de seu trabalho.

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Takashi Itoh é definitivamente um mestre da melancia. As suas obras de artes não são feitas em telas brancas, blocos de mármore ou montes de argila – ele usa apenas melancias. Com uma habilidade incrível, Itoh entalha retratos, desenhos e até personalidades famosas como Van Gogh nas cascas da grande fruta.

Mas por que ele decidiu trabalhar com melancia? “Esculturas em melancias proporcionam a infinita possibilidade de entalhar em verde, branco e vermelho. Após apreciar a obra nós a congelamos e então a aproveitamos comendo”, explica. Boa explicação!

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A casa de leilões londrina Christie’s confirmou que colocará o quadro Portrait of a Man, Half-Length, With His Arms Akimbo a leilão no dia 8 de dezembro. A obra foi feita por Rembrandt em 1658 e fazia parte de uma coleção particular de Barbara Piasecka Johnson, uma colecionadora que agora mora em Assisi, Itália.

O quadro foi exposto ao público pela primeira vez em 1847, foi um empréstimo de George Folliot, então dono da obra. Depois, em 1930, ele foi leiloado pelo neto de Folliot por 18.500 libras. Logo depois foi adquirido por George Huntington Hartford II, que resolveu doar o quadro para a Universidade de Columbia em 1958, onde permaneceu exposto por dez anos e depois foi guardado em um depósito. A última vez que foi visto foi em 1970, quando a universidade o emprestou para a exposição Rembrand After 300 Years.

Quatro anos depois a família Johnson (da Johnson & Johnson) comprou o quadro, passando para J. Seward Johnson, filho do fundador da marca e marido de Barbara. Após passar por tantas mãos, o quadro finalmente volta a leilão.

Se ele foi leiloado por 18.500 libras na década de 30, hoje o preço é muito mais alto. A casa espera que o martelo seja batido por um lance entre 29,7 e 41,2 milhões de libras – a estimação mais cara de todos os tempos para um leilão de obra de arte antiga.

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À primeira vista essas imagens parecem fotos tiradas por um fotógrafo profissional, mas na verdade elas foram pintadas à mão por uma artista extremamente talentosa.

Alyssa Monks pinta essas imagens pretando atenção ao menor dos detalhes. A artista de 31 anos disse: "Desde que eu consigo me lembrar eu sempre tive vontade de pintar. Eu tive aulas na escola e na faculdade e depois fui para a Academia de arte de Nova York."

"A garota em quase todas as fotos sou eu, tenho usado minha própria imagem pois não quero me preocupar com problemas com modelos."

Alyssa tira cerca de 1000 fotos para uma pequena série de pinturas, usando as imagens para brincar com as cores e deixar a pintura o mais real possível.

Atualmente suas pinturas estão expostas na National Academy Museum, mas ela planeja realizar exposições na Alemanha e em Nova Jersey.

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Para quem não está familiarizado com o termo, um “mercado de pulgas” é aquele local onde as pessoas vendem coisas velhas, usadas, verdadeiras antiguidades raras ou qualquer objeto que o dono já não quer mais, tudo por um preço bem barato.

O artista Joseph Heidecker aproveita essas feiras para criar as suas obras de arte. Ele procura fotos antigas e reconfigura a imagem, trazendo uma nova realidade, um complemento ao original. Os velhos retratos tradicionais podem até virar peças de decoração, como um abajur ou tampo de mesa.

Seu trabalho é tão original (meio engraçado, meio dark) que ele já ganha a fama de “cult” nas rodas das artes plásticas. Seu trabalho está exposto na galeria Johnson Trading, onde ficará até o dia 30.

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Um estudo feito pela Universidade de Roma, publicado no Psychology of Aesthetics, mostra que a arte contemporânea possui um foco emocional, enquanto a antiga é bem mais intelectual – o mesmo vale para o estilo da pessoa que olha para a tela ou escultura.

A pesquisa aconteceu de forma bem simples. Eles observaram 137 pessoas que visitaram dois museus em Roma – o Palazzo Braschi (foto), com obras do século 19, e a Galeria Nacional de Arte Moderna e Contemporânea. Parece que o que você sente por uma peça é muito baseado sobre a época em que o artista estava quando a criou.

Os dois grupos – o emotivo e o intelectual – afirmaram que as razões para eles terem escolhido visitar tal museu foi “um interesse pelos artistas” e a oportunidade de “ver as obras de arte originais ao vivo”. A diferença veio a seguir: aqueles que visitaram a galeria moderna disseram que gostaram “do prazer que sentiram durante a visita”, enquanto os que foram em Braschi citaram o “desejo pelo enriquecimento cultural”.

Interessante!

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O quadro "Himeneu Travestido Assistindo a uma Dança em Honra a Príapo" do francês Nicolas Poussin (1594-1665) voltou a ser exposto no MASP após 8 meses de restauração.

A pintura mostra uma homenagem a Príapo, deus da fertilidade na mitologia grega. Himineu, outro nome que aparece no título, se vestiu de mulher para ficar perto de seu grande amor.

A brasileira Regina da Costa Pinto Moreira, que trabalha no Museu do Louvre em Paris, participou da restauração do quadro.

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A obra criada por Scott Davidson é incrível – não é à toa que ele levou cerca de 20 horas na frente do programa Photoshop CS4 para finalizar a imagem. Ele levou o merecido primeiro prêmio no concurso Conceptart.org.

Clique aqui para conhecer mais sobre o trabalho do artista.

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A galeria James Lisboa Escritório de Arte exibe até o dia 26 de setembro, obras de grandes artistas plásticos brasileiros. São apresentados trabalhos de Di Cavalcanti, Tarsila do Amaral, Antonio Gomide, Ismael Nery, Flávio de Carvalho, Portinari, Cícero Dias, Mira Schendel, Leon Ferrari e Vik Muniz.

O único artista vivo, da mostra "Sob um Céu Tropical", Vik Muniz utiliza materiais inusitados como pasta de amendoim e confetes.

A galeria James Lisboa fica na R. Dr. Melo Alves, nº397. A entrada para a exposição é gratuita. Mais informações no telefone (11)3061-3155.

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O artista escocês Scott Jarvie não criou uma cadeira de canudinhos só pela idéia decorativa da coisa. Ele usou 10 mil canudinhos coloridos como uma forma de mostrar e criticar a cultura do descartável que existe em nossa sociedade.

De acordo com ele, a idéia surgiu após a experiência de observar as composições estruturais das árvores. Excêntrico, para dizer o mínimo.

A cadeira foi selecionada por Zaha Hadid para fazer parte do seu Curators Choice Noise Festival de 2008.

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Até o dia 25 de outubro a Caixa Cultural exibe a mostra Hansen Bahia - Restauração do Acervo. Nela estão expostas cerca de 73 xilogravuras do alemão Karl Heinz Hansen (1915-1978), mais conhecido como Hansen Bahia por ter morado por vários anos na Bahia.

A exposição tem curadoria de Lêda Deborah responsável por levar o acervo a outras cidades como Curitiba e Rio de Janeiro. Depois de São Paulo as obras voltam para a cidade de Cachoeira na Bahia, onde a Fundação Hansen Bahia mantém sua sede.

A Caixa Cultural fica na Pça. da Sé, nº111 e fica aberta de terça a domingo das 9h às 21h, a entrada é gratuita.

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A designer espanhola Alicia Martin precisou de uma inspiração, um pouco de paciência e muitos, mas muitos livros para conseguir montar uma cascata de livros. O resultado é impressionante, confira:

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Velhos livros ganham vida nova nas mãos de Brian Dettmer, de 35 anos. Por meio de recortes Brian faz o que segundo ele se chama autópsia dos livros, resultando em obras em três dimensões, com novas interpretações para seus conteúdos.

"Livros velhos, discos, fitas, mapas e outros tipos de mídia caíram hoje em uma esfera onde estão vários outros tipos de arte. Seu papel diminuiu e hoje existem mais como símbolos de ideias do que como mensageiros de conteúdo", diz Dettmer.

Além dos recortes Brian junta e dobra os livros, mas segundo ele, nunca altera o conteúdo. O objetivo é dar nova vida e forma aos velhos livros.

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As mães sempre avisam os filhos para não brincarem com a comida, mas o fato é que dá para sair muita idéia boa com a tal brincadeira. Um novo exemplo é a coleção de fotos Exposing Garlic, criada por Bloomize, uma usuária de Flickr que é uma excelente artista, porém meio desconhecida.

A intenção é simples: ajeitar pedaços de alho, formar um desenho e bater uma foto. E não é que o resultado é lindo e singelo? Confira mais fotos a seguir.

Para conhecer outros trabalhos da artista, visite o seu site.

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Uma mulher foi presa em Paris depois de "atacar" Mona Lisa com uma caneca de chá.

A russa alegou que jogou a caneca em diração de alguns turistas mas acabou acertando em cheio um dos quadros mais famosos do mundo.

A caneca acertou o vidro à prova de balas e quebrou quando caiu no chão, disse um dos guardas do museu do Louvre.

Guardas prenderam a mulher, depois de lutarem com ela pelo chão do museu, no dia 2 de agosto.

Ela está sob custódia e será levada para fazer exames psicológicos. M´deicos querem saber se ela sofre de síndrome de Stendhal, uma rara condição que causa tonturas, confusão ou atos vilentos quando um indivíduo é exposto à arte.

Um porta-voz da polícia disse: "Nós ainda estamos estabelecendo o estado mental dela no momento, mas ainda há a possibilidade da mulher ser acusada de dano criminoso."

Não houve nenhum dano ao quadro de Leonardo Da Vinci,, pois ele é protegido por um vidro à porva de balas de 2cm de espessura. Seria preciso mais do que uma caneca de chá para causar algum prejuízo.

Mona Lisa é o único quadro a ser roubado do museu do Louvre, em 1911, e depois recuperado. O quadro pertence ao governo francês e é visto por cerca de 8.5 milhões de pessoas todos os anos.

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O artista Daniel Edwards já era conhecido por criar esculturas de celebridades em situações um tanto chocantes – como a de Britney Spears dando à luz. Desta vez ele resolveu criar uma peça com a desculpa de ser uma homenagem à Semana Mundial da Amamentação, que vai do dia 1º ao dia 7 de agosto.

Edward criou uma escultura em tamanho natural da mãe mais famosa do momento, Angelina Jolie. Ela está nua e amamentando os gêmeos – a inspiração, de acordo com o artista, veio das fotos tiradas por Brad Pitt e publicadas na W Magazine.

A obra foi batizada de Landmark for Breastfeeding e será exposta ao público em setembro no Mainsite Comtemporary Art em Norman, Oklahoma.

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Ooli é uma artista russa de São Petesburgo. Seus trabalhos são ilustrações ricas em detalhes, feitas com aquarela e algumas vezes com colagens de fotos. Desenhos surreais que vão desde imagens alegres e coloridas até as partes mais profundas da mente com desenhos assutadores em preto e branco. Para conferir mais trabalhos dessa talentosa artista acesse o LiveJournal, página onde ela expõe suas obras.

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Uma verdadeira arte de ilusão – é isto o que o chinês Liu Bolin faz. Usando apenas tinta, técnica e muita paciência, Liu consegue fazer as pessoas praticamente desaparecerem.

Não adianta tentar explicar muito. Só vendo algumas fotos a seguir para ter uma idéia da beleza do trabalho!

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O vídeo mostra o artista de rua Julian Beever, conhecido como o Picasso das calçadas, fazendo mais um desenho 3D, dessa vez nas ruas de Copenhagen, Dinamarca. Julian é um artista inglês dono de uma impressionante habilidade, ele usa apenas giz para fazer seus incríveis desenhos. Ele já usou as ruas de vários países do mundo para mostrar seus trabalho, só não pode chover.

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A artista Janine Rewell criou uma obra de arte que dependeu da boa vontade de um homem que topou servir de modelo. Ela recortou vários adesivos de vinil e foi colando no rapaz. Depois mandou o coitado para uma sessão de bronzeamento.

O resultado é esse da foto - Tan, the Man. Muito criativo, sem dúvidas, e dá o que pensar: será que o sacrifício pela arte vale tanto assim, para ficar todo manchado deste jeito?

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O quadro Mona Lisa, de Leonardo Da Vinci, está entre as pinturas mais famosas do mundo. E serviu de inspiração para muitas outras obras pelo mundo.

A exposição Joconde - Da Monna Lisa alla Gioconda Nuda é dedicada à essas obras, a mostra exibe várias versões de Mona Lisa nua, feitas do século 16 ao 20, entre elas está uma que pertenceu ao tio de Napoleão Bonaparte.

A mostra Joconde - Da Monna Lisa alla Gioconda Nuda permanece em cartaz no Museu Ideale Leonardo Da Vinci, na região da Toscana, até o dia 30 de setembro. Aqui estão algumas das pinturas expostas.

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O enorme trabalho impressiona pelo realismo. Artistas de Sydney, Austrália, montaram o quadro no dia 16 de julho usando apenas copos cheio de café – a diferença de tons de cores vem da mistura com quantidades calculadas de leite.

Foram precisos 3.604 copos para formar a imagem que foi um sucesso no Rock Aroma Festival – todo mundo queria tirar uma foto e tentar tomar um gole da Mona Lisa!

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Norval Morrisseau foi um grande artista indígena canadense. Ele nasceu em 14 de março de 1932 e morreu em 4 de dezembro de 2007. Era conhecido como o Picasso do norte, seus trabalhos representavam as lendas de seu povo, a tensão cultural e política entre as tradições nativas do Canadá e tradições européias, e uma profunda espiritualidade e misticismo. Seu estilo é caracterizado por grossas linhas pretas e cores vivas.

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O usuário do Flikr Ghost in the Machine mostra diversos quadros de personalidades feitas com fita cassete que são verdadeiras obras de arte. O resultado é tão bonito e realista que não dá para descrever – só conferindo o trabalho do artista para ter uma noção.


Jimi Hendrix


Bob Dylan

Robert Smith


Michael Jackson

Para conferir outros trabalhos do artista - como outras obras de fita cassete e também com filmes 8mm e 16mm -, clique aqui.

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A pintura corporal (bodypainting) conquista fãs a cada dia por ser uma forma de maquiagem corporal muito criativa e artística. Se você é um destes fãs, saiba que a Áustria está com um evento bem interessante, mais precisamente na cidade de Seeboden.

Entre os dias 13 e 19 de julho cerca de 30 mil pessoas passarão no World Bodypainting Festival para conferir as criações de artistas de mais de 40 países, além de mesas redondas, conferências, e cursos. Muitas formas de pintura, efeitos especiais, airbrush e fantasias são artes mais do que confirmadas por lá.

O festival contará até com entrega de prêmios. O tema deste ano é “poesia: o poder das palavras” e “espiritualidade: atrás do mundo visível”. Um verdadeiro espetáculo.

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Naoto Hattori é um artista japonês de 34 anos que estudou artes em Nova York e design em Tokyo. Ele faz pinturas, ilustrações e design gráfico e usa tinta acrílica, aquarela e tinta normal. Seus trabalhos são surreais, ricos em detalhes onde ele tenta mostrar para as pessoas o mundo que ele possui dentro da mente.

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Mona Lisa, de Leonardo Da Vinci


Ju Duoqi é uma artista chinesa que gosta de brincar com comida. Em 2006 ela fez uma saia de ervilhas, desde então ela recria quadros famosos usando apenas legumes e verduras como batata, gengibre, couve, tofu, cebolas e pepinos.

Ju Duoqi nasceu em 1973, em Chongqing, e estudou na Escola de Belas Artes de Sichuan.

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O Espaço Cultural CRC SP, que fica no centro de São Paulo, exibe até o dia 31/7 a mostra "Reflexão Cubista" do artista francês Henri Carrières. A exposição conta com a apresentação "Anos Dourados" do cantor Marcos Roberto que participou da Jovem Guarda.

A entrada é gratuita, mas a casa pede que os visitantes doem alimentos para serem entregues à Associação Feminina de Combate ao Câncer - Núcleo Pérola Byington.

Carrières que veio ao Brasil quando ainda tinha 5 anos, é adepto do cubismo e retrata a natureza morta de um jeito único e particular.

O Espaço Cultural CRC SP fica na R. Rosa e Silva, Santa Cecília e abre de segunda a sexta das 9h às 17h. Mais informações pelo telefone (11)3824-5433.

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Até o dia 26 de julho a Galeria Olido (centro de São Paulo) expõe a mostra "Imagem Sonora In Concert - Uma Fusão Sonora" com curadoria de Danilo Blanco, Fernando Zelman e Dingos.

Com o tema "a conexão entre a arte urbana e a música", estão sendo expostos 12 painéis verticais criados por 12 artistas que usam técnicas como grafite, lamb, assemblage, free hand e stencyl art. Os artistas são Guto Lacaz, Dingos, Corcel, Dinas, Guetusm Gênio, Menc, Ocupeacidade, Oito2, Raphael Armando, Triagm e Zezo.

A Galeria Olido fica na Av. São João, nº473, República. De terça a sexta das 12h às 20h e sábado, domingo e feriados das 13h às 20h30. A entrada é gratuita.

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A partir do movimento contracultural de maio de 1968, quando os muros de Paris foram suporte para inscrições de caráter poético-político, a prática do grafite generalizou-se pelo mundo, em diferentes contextos, tipos e estilos.

Atualmente o grafite já é considerado como forma de expressão incluída no âmbito das artes visuais, mais especificamente, da street art ou arte urbana - em que o artista aproveita os espaços públicos, criando uma linguagem intencional para interferir na cidade.

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O quadro Homme a l’epee (Homem com espada), também conhecido como O Mosqueteiro Vermelho, foi pintado por Pablo Picasso em 1969. Agora, 40 anos depois, a obra alcança o seu preço recorde em um leilão realizado pela Sotheby: 11,5 milhões de dólares (6,9 milhões de libras).

O valor foi pago por um colecionador particular e superou a avaliação, que calculava entre 6 e 8 milhões de libras. O quadro é um dos mais importantes do período em que foi feito e nunca havia sido leiloado antes.

Um outro trabalho de Picasso também foi leiloado, o enorme Nu Debout, de 1968. Foi arrematado por 7 milhões de dólares.

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O pintor britânico David Hockney revelou ao jornal The Daily Mail que usa o iPhone para pintar. O fato não é segredo, já que há uma nova exposição em Londres com trabalhos produzidos no aparelho celular de Hockney.

Apesar de ter o aparelho há apenas quatro meses, o artista já conseguiu transformá-lo num grande conjunto de palheta e tela que abriu diversas e novas possibilidades para o seu trabalho. “Eu gosto de desenhar flores à mão no iPhone e mandá-las para os meus amigos, então eles recebem flores frequinhas. E minhas flores duram muito mais!”, declarou o artista, empolgado com a aquisição, em entrevista.



Porém, o uso de tecnologias para fazer arte não é novidade para Hockney. Ele já utilizou fax e Polaroid para fazer colagens e em 1985, desenhava com um programa de computador chamado Quantel Paintbox.

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A casa de leilões Christie’s entende que a recessão também está derrubando os preços das obras de artes, então ela marcou um leilão para o dia 30 de junho e garante que serão mostradas barganhas ali.

Serão leiloadas obras pós-guerra e contemporâneas, então já estão confirmadas a presença de Red Skull (foto), de Jean-Michel Basquiat, pintado em 1982 e avaliado entre 2,4 e 3,2 milhões de dólares; Country Nurse, de Richard Prince, com a mesma estimativa de preço; Moustache, de Jeff Koon, entre 1,9 e 2,8 milhões de dólares; Study for Portrait, de Francis Bacon, entre 1,2 e 1,9 milhão de dólares e o Auto-retrato de Andy Warhol, estimado entre 800 mil e 1,2 milhão de dólares. Para ver as demais obras, clique aqui.

Sim, os preços são considerados barganhas.

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Essas roupas incríveis são feitas a partir de balões ligados uns aos outros ou manipulados por Daisy, uma artista japonesa mundialmente conhecida por trabalhar de forma muito criativa com essa inusitada matéria prima.



Apesar de sererem peças muito frágeis, a artista afirma “a forma não é permanente, porém o sentimento que vestuário feito com balões traz às pessoas, se espalha. Além disso, com a tecnologia, podemos gravá-los em imagens digitais”.



A artista também contou em entrevista que seu primeiro contato com balões foi na decoração da floricultura onde trabalhava. Desde aí, ele aprendeu a manipular o material e se ligou afetivamente a ele, segundo ela: “o sentimento de alegria é o mesmo, com flores ou balões. Atualmente, esse sentimento é a parte mais essencial de mim”.



A entrevista completa, em inglês e japonês, além de fotos com mais das peças inusitadas de Daisy, podem ser conferidas no link.

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Usuários talentosos de iPhone já podem fazer arte no aparelho, graças a aplicativos de desenho como Brushes e NetSketch. Para conferir os mais belos trabalhos de artistas, confira uma seleção do Telegraph feita a partir da galeria Brushes no Flickr, que reúne diversas produções.

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Pão...Bread...Sit...C...Y...Campos, 1970 - Artur Barrio


Confrontando produções artísticas das décadas de 1970 até 2000, a exposição “Objeto Imaginado” tem abertura hoje no Centro Cultural São Paulo. O objeto é dar um panorama da arte contemporânea brasileira, a partir de trabahos do acervo da Coleção de Arte da Cidade de Sção Paulo, antiga Pinacoteca Municipal.

Nomes como Antonio Dias, Cildo Meireles, Antonio Manuel, Artur Barrio, Cássio Michalany, Rodrigo Andrade, Raquel Garbelotti e Wagner Morales, terão suas obras exibidas no evento que pretende enfocar o limite entre o material e o imaterial e a ideia da supressão do objeto artístico.

Com curadoria de Paulo Monteiro, a exposição pode ser visitada até dia 16 de agosto de terça a sexta das 10h às 20h e aos sábados e domingos das 10h às 18h. A entrada é franca.

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A artista libanesa Ginou Choueiri, utiliza batatas para esculpir a forma de rostos humanos.



Em seu site, a artista libanesa, que mora em Beirute, Ginou Choueiri diz que escolheu as batatas para retratar rostos humanos porque o elas apresentam uma textura e cor muito semelhantes à da pele humana.

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Quem leu “As Viagem de Gulliver” de Jonathan Swift sabe muito bem que Lilliput é uma ilha onde todas as coisas são menores que o normal. Pois “Lilliput: Small Art for Big People” (arte pequena para gente grande) é o tema de uma exibição que inclui trabalhos que não medem mais do que 1,5 polegadas. Os visitantes recebem uma lupa ao entrarem na Galeria de arte Walsh na Seton Hall University, em South Orange (EUA) para que possam ver mais detalhes do que estaria praticamente invisível a olho nu. Pelo espaço também há outros tipos de lentes e até microscópios, o que exige atenção redobrada do espectador.



Quando questionadas a respeito de como chegaram ao conceito da mostra, as curadoras Asha Ganpat e Jeanne Brasile responderam: “Durante outra exibição de 2007, notamos que o mercado da arte previu a crise econômica e passou a produzir trabalhos pequenos conforme encolhiam os bolsos dos colecionadores de arte. Nós respondemos à moda criando um show de arte absurdamente pequena e, nesse processo, descobrimoso gênero da micro-arte. É um fenômeno fascinante”.

Aproximadamente 40 artistas coloboram com peças para a exposição, o que confirma a popularidade que está ganhando o trabalho artístico com formatos pequenos. O evento acontece até 23 de julho.

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Há mais de 10 anos que o artista italiano Maurizio Savini cria esculturas incríveis usando apenas pedaços de chiclete. Seu trabalho já foi exibido em diversos países e algumas obras já foram vendidas por mais de 55 mil dólares.

Conheça mais esculturas de Savini a seguir:

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A garotinha Mafalda, criada pelo quadrinista Quino, será eternizada em escultura.

A escultura ficará na porta do edifício onde viveu Quino, no bairro de San Telmo.

O escultor encarregado de "moldar" à personagem, Pablo Irrgang fala que os fâs de Mafalda irão poder sentar ao lado da pequena revolucionária e tirar fotografias com ela.

A escultura terá o tamanho natural de uma garota da idade da personagem e será a representação de Mafalda sentada em um banco.

O intuito da obra é identificar a casa de Quino - o mito, como é conhecido, no edifício da rua Chile, nº 371, em San Telmo.

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Lauren Moyer - “The Man Cub”

Capas e ilustrações de livros infantis inspiraram artistas que participam da exposição “Beyond the Pages” (Além das Páginas, em inglês) na Gallery 1988 SF, São Franciso, EUA.


Casey Weldon - “The Days Are Just Packed”

Ali você pode reviver bons momentos da sua infância e perceber o quanto os livros para crianças têm temáticas tão adultas quanto as dos romances e livros acadêmicos que você lê agora.


Jeannie Lynn Paske - “One Sees Clearly Only With The Heart”

Para ver a exposição, os visitantes têm de entregar um livro infantil novo que será doado para San Francisco Unified School District. Veja mais imagens que estão exibidas nos EUA, neste site.

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A designer Deborah Sperber entrou no clima do novo filme do Star Trek e decidiu homenagear um dos personagens mais famosos de todos os tempos, o Spock – e não foi uma mera homenagem.

Ela usou 1.102 carretéis de linhas de diversas cores para montar um mural do vulcaniano. Só que fosse só isto seria muito normal. Então ela fez o mural de ponta-cabeça, e quem quiser olhar no ângulo certo vai precisar olhar através de uma bola de cristal.



Tão criativo que ela merece uma saudação vulcaniana com os dedinhos separados!

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O que tanto os guarda-chuvas inspiram? Variedade de cores e tamanhos e por ter um formato plasticamente muito interesse.



Esses podem ser alguns dos motivos, mas deve haver mais tantos outros que justifiquem o fato de tantos artistas insistirem em usar o objeto em suas obras.



Seja nos EUA, na Itália, na França, na Austrália, Grécia e até na Coréia, lá estão os guarda-chuvas, expostos em algum museu local ou no próprio espaço urbano. Confira todos os trabalhos com essa temática neste link.

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Fazendo pinturas e colagens de rostos humanos com espressões inusitadas em latas de lixo, recipientes de tickets e postes, o artista alemão com o codinome Mentalgassi abre sorrisos e caretas em todas as pessoas que passam e olham a sua arte.

Não há muitas informações sobre Mentalgassi, mas vídeos e imagens de suas intervenções podem ser conferidas no blog do artista.

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Os alunos de graduação da Cranbrook Academy of Art, Patrick Gavin and Jonathan Muecke, criaram objetos que exploram o relacionamento humano com o mundo físico, incluindo espaço, divisão e limites.



A exposição “New Phisical Consequences” ( Novas Conseqüências Físicas, em inglês) inclui objetos que esperam direcionar os relacionamentos ou instigar o reconhecimento de limites entre pessoas e objetos.



Também estão presentes obras que convidam os espectadores à reflexão sobre as formas mais básicas pelas quais os humanos interagem com materiais e realidade física.



Leia uma entrevista com os artistas neste link.

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Kawano Takeshi é um artista de Tóquio, Japão. Este é um dos seus projetos, “Cation for Global Warming”. Ele mostra animais de regiões frias, como o urso polar, o alce e os pingüins, derretendo.



A série busca alertar as pessoas sobre os perigos das conseqüências do aquecimento global, entre elas o derretimento das geleiras e a alteração de ecossistemas inteiros, que tem a ação humana irresponsável como causa.

A campanha foi patrocinada pelo centro de pesquisa de comunicação italiano, Fabrica.

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Bansky, Mona Lisa

Quem não conhece o quadro Mona Lisa? O sorriso enigmático da musa de Leonardo da Vinci não inspira apenas os amantes da arte, como também os próprios artistas.


Andy Warhol, Mona Lisa, 1963

Salvador Dali, Andy Warhol, Rene Magritte,Fernando Botero, Jean-Michel Basquiat e Banski são alguns do nome que celebraram – e também ridicularizaram – a imagem imortalizada pela História da Arte.


Fernando Botero, Mona Lisa, 1963

Confira neste link as diversas encarnações de Mona Lisa e se inspire para fazer a sua própria releitura.

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Como pegar a capa de álbum e transformá-la numa única e simples imagem? A illumination Ink, responsável por um projeto que realiza esse processo com álbuns de várias bandas, responde: “É basicamente uma releitura modernista de capas de álbuns clássicos, onde o título do álbum é destilado num pequeno e simples pictograma branco e preto”. Música e artes plásticas estão juntas no projeto que resultou em interessantes trabalhos minimalistas de design gráfico. Confira todas as imagens ampliadas neste link.

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O trabalho de Bryan Nash Gill é intrigante. Ele cria pinturas foto-realísticas em larga escala retiradas diretamente de impressões em troncos de árvores seccionados.



A textura da madeira é totalmente transferida para o papel em tamanho real. Cada detalhe é delicadamente impresso, formando um íntimo mapa dos anéis da árvore.

O artista já ganhou diversos prêmios e exibiu seus trabalhos em museus e galerias dos EUA, Japão e Dubai. Seu trabalho também pode ser encontrado Ashes & Milk, para venda.

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O artista espanhol David Blázquez levou o conceito de “arte viva” ao extremo. Em sua exposição “Mobiliario Humano” (mobília humana, em espanhol), David cria camas, privadas, mesas de jantar, estantes de livros, sofás e outros móveis com corpos humanos nus.



A impressionante exposição será exibida até dia 5 de maio na sala El Fotómata, em Sevilha, Espanha. Mas você pode conferir algumas imagens aqui.

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Quer algo mais insignificante que um rolo de papel higiênico sem papel? Pois o artista francês Jacquet Fritz Junior não concordou com isso e deu novas funções para esse objeto que costuma passar em branco no nosso dia-a-dia.



Desenvolvendo uma técnica própria inspirada nos origamis, Fritz Junior utiliza os rolinhos de papelão para fazer dobraduras que formam imagens incríveis de rostos.

As peças recebem pigmentos coloridos e uma série de outros acabamentos e são reunidas em instalações artísticas posteriormente.



Só não seria agradável imaginar a situação em que Fritz teve que encarar quando teve essa brilhante idéia. Afinal, naquela hora íntima a pior imagem que se pode ter é a de um rolo de papel vazio.

Confira mais imagens aqui.

• Saiba Mais
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Se nos perdêssemos no incrível mundo criado pelas obras do artista Alexander Jansson, seria um pouco assustador, mas também muito divertido.



O mundo místico criado pelo artista suíço é repleto de casas em miniatura localizadas em lugares nada convencionais e com personagens engraçados ao redor.



Apesar das cenas criadas por Jansson terem algo de sombrio e misterioso, elas também trazem algo inocente da infância, um vago sentimento que parece aquecer o corpo e a alma.



Lembrou-me muito o trabalho deTim Burton. Confira o site de Alexander Jansson e veja se concorda com essa semelhança.

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A artista australiana Rosie Miller em sua nova exposição “Novel Vessels” (vasos de romance, em inglês) no Lindberg Contemporary Art da Austrália , utiliza livros de segunda mão para criar criativas e extraordinárias esculturas.



Miller busca com isso alterar as formas tradicionais onde encontramos as páginas de livros, libertando-as da rigorosidade horizontal e vertical.

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Já que estamos no clima da Páscoa, um post sobre a Santa Ceia não podia faltar! O quadro de Da Vinci sempre foi a maior referência sobre a última vez que Jesus e seus discípulos se reuniram antes de ele ser crucificado – referência tão grande que todo mundo já fez uma imitação.

Confira aqui algumas representações diferentes, mas que não deixam de ser criativas e artísticas:

A Última Ceia de Lego


A Santa Ceia dos Simpsons – ou seria a Saideira?


A Última Ceia de House, ou melhor, a última operação


A Última Ceia do Batman - ou, como diria Robin, "Santa Ceia, Batman!"


Gostou? O site Culture Popped juntou muitos outros, como Mickey, McDonalds, Star Wars, iPods, Bob Dylan... Vale a pena dar uma olhada, mesmo que não sabe inglês.

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Este Sketchbook foi dividido por quatro artistas: Mac Premo, Duke Riley, Oliver Jeffers e Rory Jeffers. Dois que moram no Brooklyn e dois de Belfast, Irlanda.

Durante 36 semanas, toda quarta-feira um deles o recebia e devia completar em cinco dias o que o artista anterior havia deixado desenhado ali. O livro era despachado na segunda-feira seguinte tendo como destino outro artista.

A obra de arte coletiva acumulou 60 mil milhas de viagem, muitas histórias para contar e muitas obras de arte para se ver.

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Guido Daniele é um artista multimídia da Itália. Ele se embrenhou pela body-painting (pintura corporal, em inglês) e mostramos aqui sua série mais destacada, que se chama “Handimals” ou " Mani Animali ".



Nela, aqueles animais que costumamos fazer com as mãos em frente a uma fonte de luz na escuridão, Daniele faz com pinturas na própria mão que impressionam pelo realismo.



Confira a série completa neste link.

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Só porque você não gosta de ler, isso não significa que não pode se interessar por peças artísticas feitas com livros. Veja essa seleção com imagens incríveis de diversas peças das artes plásticas e do design que têm como matéria-prima esse grande objeto de conhecimento.

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O que acha de ter um Charles Chaplin no hall de entrada? E uma Marilyn Monroe no quarto? Ou então todos os Beatles na sala de estar? Pois é, agora tudo isto é possível – tirando o fato de que eles são de cera, é claro.

O Museu de Cera de Hollywood está vendendo quase 200 bonecos de celebridades de todos os tipos, desde políticos como Bill Clinton e George Washington a estrelas de TV, como Lucille Ball. Cher, Steve Wonder, Michael Jordan e Will Smith são outros que aguardam por um dono.

A empresa Profiles in History é quem irá fazer o leilão, e parte dos lucros será usado para a preservação da histórica Calçada da Fama.

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Quando me deparei pela primeira vez com a arte de Christian Faur me lembrou muito o artista Chuck Close, pintor estadunidense do hiper-realismo e o impressionista francês Claude Monet.



Você deve dar um minuto para que seus olhos se ajustem e percebam para o que estão olhando. Como as de Monet, as obras não passam de borrões se vistas de perto e só tomam forma quando o espectador se afasta para observá-las.



As obras de Faur são feitas com milhares de diz de cera de cores variadas que, juntos, compõem a característica pixelada típica do puntilismo.



A opção por esse material cria outra questão: a obra de Faur se trata de esculturas, pinturas, fotografias ou os três juntos?

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Justin Reed, além de ser um ilustrador estadunidense, é um grande cinéfilo. Ele então decidiu misturar suas duas paixões à pintura a óleo e revelar seu processo artístico num blog muito interessante que vale a pena conferir.

Acesse aqui o blog de Reed e aqui seu site pessoal.

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Fantástico ainda é pouco para definir a obra de Lewis Lavoie. O artista recria obras famosas através de montagens surpreendentes. Se trata do conceito “Mural Mosaic”, no qual pinturas diversas são reunidas para compôr numa única obra.
 


Na imagem, “A Criação de Adão”, de Michelangelo. Lavoie fez uma releitura dela compondo-a com telas que retratam pessoas de diversas nacionalidades.

A mensagem parece ser “todos somos filhos de Deus, independente das diferenças”, já que o retrato dessas pessoas formam Adão, o primeiro Homem segundo Gênesis.

Confira o fantástico vídeo que mostra o artista em ação. Nele, dá para notar o imenso trabalho que o Lavoie tem para reproduzir através da pintura cada uma das obras que comporão o seu incrível mural.

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O estadunidense James Kuhn trabalha como motorista. Impedido de trabalhar em março de 2008 por conta de uma nevasca, ele resolveu fazer arte.



A sua idéia foi de realizar pinturas faciais muito inusitadas, uma nova a cada dia. O objetivo de Kuhn na body art (arte corporal, em inglês), ele mesmo define: “estou interessado nas máscaras que as pessoas usam e nas minhas próprias máscaras”.

O novo artista, que é ao mesmo tempo nudista, drag queen e recém convertido ao cristianismo, tem influência de nomes como : Picasso, Van Gogh e Frida Kahlo.



As pinturas de Kuhn criam um estranhamento e há muitas em que parece ser impossível encontrar as partes do seu rosto.



Confira mais da obra desse artista em sua página no Flickr e em seu blog.

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Incrível, este vídeo mostra o artista Todd M. Duym utilizando a técnica de tecelagem photo-weaving, que consiste em reproduzir uma fotografia da forma mais fiel possível a partir da junção de fios de cores variadas. Ele se baseou na imagem de uma rosa e todo o processo durou vinte horas para ser concluído. Dá uma baita vontade de ver a obra finalizada pessoalmente. Mas, enquanto isso não é possível, confira o vídeo aqui.

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Doze mil dólares. Este é o valor que o artista conceitual R. Lloyd Ming destruiu, afinal, cada bolsa Louis Vuitton Alma (foto) custa mil dólares. Foram doze bolsas cortadas ao meio para fazer uma escultura em sua nova exposição solo, “Eu não sou Chinês”. Enquanto 90% das mulheres pensou “Meu Deus, por que? Por que???”, ele dizia: “isto é um comentário sobre a nova fortuna e materialismo que foram criados na China”.

Contextualizando: Ming acredita que a tênue relação entre a China e a América tem um resultado catastrófico de capitalismo sobre regras comunistas, problemas com os direitos humanos, etc. “Como resultado da revolução capitalista da China as classes médias e altas estão crescendo. No entanto, o capitalismo por vezes produz uma cultura de insegurança, onde as pessoas só podem encontrar uma noção de compensação pessoal ou salvação através de posses e materialismo”, ele explica.

O nome da obra? Vuitton Crucifix. Bem explicativo.

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Ghostpatrol é o pseudônimo do artista que, entre outras coisas, cria bonitas obras de arte usando como tela uma de suas ferramentas de trabalho – vários lápis de cor.



Cada criação é emoldurada (mais ou menos 30 x 30 cm) e custa em média 2 mil dólares. Confira o site de Ghostpatrol para ver mais criações.

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Olhando de cima, os quadros do artista Christian Faur parecem imagens pixelizadas comuns, mas na verdade não são. Faur juntou mais de 100 mil gizes de cera, daqueles usados no jardim da infância mesmo, e criou belas imagens. Criativo.

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Para quê servem legumes e verduras, além de comer?

Para fazer arte, lógico! A obra acima, releitura de um dos tantos auto-retratos de Van Gogh, foi feita pela artista chinesa Ju Duoqi, e exposta no Museu do Legume, em Pequim.



Museu do legume! Para ver mais do trabalho de Duoqi, clique aqui.

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A criatividade das pessoas ainda me surpreende. Também, como poderia imaginar que alguém fosse fazer de rolos de papel higiênico, matéria-prima para arte? E boa arte. Pois o premiado artista japonês, formado nos EUA, Yuken Teruya fez exatamente isso.



Ele manipula objetos cotidianos, fazendo com que seus significados passem a refletir na sociedade e cultura contemporâneas. Fazendo com que árvores surjam de rolos de papel, de livros e folhas, através do recorte, Teruya cria trabalhos detalhistas e intrincados, mundos pequenos e encantadores, que estão relacionados a preocupações mais amplas.Em cada rolo, o formato da árvore é criado sem que nenhum outro material seja adicionado ou removido.



A arte de Teruya explora assuntos como o consumismo crescente em nossa sociedade, o esgotamento de recursos naturais e outros problemas relacionados a globalização, incluindo a armadilha que ela prega às culturas e identidades locais.



Confira mais informações no site de Yuken Teruya.

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O estúdio de criação Qb, localizado na Filadélfia, EUA, transformou livros em belas esculturas. A instalação Fly Book Fly (Voa, livro, voa, em inglês) relaciona as formas desse objeto milenar com sua função libertadora. A obra celebra com graça o simples gesto de abrir um livro. Encantador.

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Dentre as obras de Salvador Dalí, as mais notórias são as que representam relógios. O mais famoso surrealista distorce os relógios assim como tudo o mais. Como um símbolo de distorção temporal.



Até hoje pessoas, ideias e — claro — produtos são influenciados pelas obras de Dalí. Exemplo é o relógio distorcido, à venda na Amazon, por US$ 45.

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Ciclista, obra de Iberê Camargo

As densas obras produzidas por Iberê Camargo na década de oitenta quando voltou à Porto Alegre, retornam à sua cidade natal reunidas em exposição da “Persistência do Corpo”.

Com curadoria professoras doutoras do Instituto de Artes da UFRGS, Ana Maria Albani de Carvalho e Blanca Brites, ela reúne 32 desenhos e 7 pinturas que revelam a época em que Iberê volta a empregar a figura humana em suas produções.

Neste domingo, o evento pode ser visitado gratuitamente na Fundação Iberê Camargo, em Porto Alegre.

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Foi-se o tempo que xeques árabes e magnatas russos gastavam seus milhões — bilhões, talvez — em obras de mestres consagrados. Em leilão realizado ontem, na Inglaterra (maior reduto de leilões), a tela "Man in blue 6", de Francis Bacon, não atingiu o lance mínimo.



Pintado no pós-guerra, em 1948, "Man in blue 6" faz parte de uma série de Bacon. Os avaliadores da casa "Christie's", responsável pelo leilão, propuseram o preço base de US$ 5,7 milhões. Há alguns meses, antes de setembro de 2007, antes da quebra do Lehman Brothers, antes de começarmos a descer a ladeira, um quadro de Bacon era vendido por, no mínimo, três vezes esse valor.

"Estudo do Papa Inocêncio X", vendido em abril de 2007, é um exemplo. Trinta milhões de dólares.

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Já vimos por aqui artistas usando aplicativos do iPhone para produzirem. Apesar do uso da tecnologia ainda ser polêmico na arte, é provável que muitos criadores se interessem pela seguinte novidade: Pixi. O aplicativo permite que o usuário crie espirais de movimentos e cores diversas de acordo com o movimento dos dedos na touchscreen do iPhone. A graça é praticar bastante para personalizar cada vez mais os resultados das ferramentas disponibilizadas pelo Pixi. Saiba mais sobre as possibilidades do aplicativo neste link.

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Um interessante trabalho do artista parisiense chamado Ludo fala da revanche da natureza (Nature's revenge). Ultimamente as produções desse artista urbano estão mais coloridas e as ilustrações de flores, árvores e cactos estão tomando a rua de volta. Veja mais imagens e até mesmo vídeos no site de Ludo.

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A expressão “a arte é uma arma” nunca foi levada de maneira tão literal como pelo estúdio Alphanumeric. Ele lançou uma camiseta com uma estampa que transforma instrumentos usados para fazer arte na figura de uma arma. O estúdio estadunidense afirmou que a novidade é um protesto contra os altos gastos do governo dos EUA na indústria armamentística em detrimento das artes. A camiseta está disponível na Robust Flavor.

Para se ter uma idéia, os EUA praticamente não fornecem incentivo público a projetos artísticos, o que torna os artistas reféns do investimento privado e seus conseqüentes interesses comerciais. Os EUA nem ao menos têm um ministro de cultura, item que felizmente está sendo revisto pelo novo presidente Barack Obama que pretende incluir o cargo em sua gestão.

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Nos últimos 10 anos o artista italiano Maurizio Savini tem criado uma série de esculturas que utilizam milhares de chicletes mastigados. As esculturas são feitas em tamanho natural, como o búfalo, o urso pardo e o homem de negócio. Os trabalhos de Savini são exibidos internacionalmente e alguns deles já foram vendidos por $55 mil.
 

A escolha de um material tão inusitado quanto chiclete mastigado, faz lembrar de Marcel Duchamp, artista francês que questionou o Sistema da Arte ao inserir em museus objetos triviais como um mictório. O artista justifica sua opção: “A razão que me faz gostar de usar chicletes é porque esse material me pareceu incrivelmente versátil em comparação com aquele usado pelas artes tradicionais, como a pintura”.

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Michael Marcovici era apenas um vendedor do eBay até a sua empresa ficar multimilionária em 2005. Aí ele resolveu viver a vida numa boa e fazendo o que gosta – arte.

E já que ele não se preocupa com dinheiro, uma de suas grandes obras (literalmente) é a One Billion Dollar. O que vem a ser? Ele basicamente juntou 10 milhões de notas de 100 dólares em 12 pilhas e pronto. Marcovici fez a obra de arte mais cara de todos os tempos.



Assim, todo mundo pode ter uma noção de quanto espaço tanto dinheiro ocupa. O artista afirma que a obra tem como intenção fazer as pessoas pensarem “não muito no que você vê, mas no que você poderia fazer ou não fazer com o dinheiro”. Além de se lamentar “por que raios eu não tenho toda esta grana?”, é claro.

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Petar Pavlov é um artista da Macedônia que, entre vários projetos, criou esta obra chamada Poema Visual – que é “poesia tomando outra dimensão”, de acordo com ele.

Bordado à mão nas costuras de uma camisa está o poema Lenka, que fala de uma mulher que trabalha em um monopólio de tabaco. Ela perde a vida por causa de seu exaustivo trabalho e deixa a sua blusa de linho desamarrada.

Uma luz fica dentro do manequim de fios de cobre para acentuar os versos. Uma história triste em uma bela peça de arte.

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Para entrar no clima da posse de Barack Hussein Obama, vou postar a foto de uma estátua da cidade onde o descendente de quenianos irá morar nos próximos quatro anos, Washington, D.C.

"The awakening" — "o despertar", em inglês — fica no parque Haines Point, na capital dos EUA. Muito original, não lembro de ter visto algo parecido. Será que Obama representará, para seu país, exatamente a mesma coisa que essa estátua, o despertar de um gigante?

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A artista Patianne Stevenson tem uma paixão incontrolável por comida. Ela gosta olhar receitas antigas, de inventar receitas novas, de pintar quadros com a temática alimentícia... Ela é tão inspirada pela comida que resolveu fazer comidinhas de papelão.



Sua habilidade em esculpir bolos, tortas e até sushi com o papelão é impressionante, fazendo com que aquele que vê suas obras são resista em salivar e ficar com desejo de comprar um muffin na próxima padaria.

Seus trabalhos estão expostos em galerias e museus, mas você pode conferir mais fotos de suas obras em seu site, Cardboard Kitchen.

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O escultor estadunidense Tom Otternes realiza diversas esculturas, de vários tamanhos, mas uma coisa é única em seu trabalho: um estilo muito particular. Tom utiliza arame, cera e cerâmica como base para suas peças e retrata as pessoas de uma maneira caricatural própria.



Muitas de suas obras ficam alocadas em lugares públicos e são interativas, como a representada pela imagem acima, Playground, realizada em 2007. Dá vontade de voltar a ser criança e se aventurar nas esculturas fantásticas de Otterness.

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O artista Stef Kardos, reconhecido pelo seu trabalho como diretor de arte na Disney, deseja destruir qualquer mito que diga que o iPhone não é uma ferramenta artística legítima. Kardos prova isso com sua coleção digital 'iPhone Sketches'.

Usando apenas 'Brushes', um aplicativo de desenho para iPhone, o artista criou um portfólio digital impressionante contendo figuras como pôr-do-sol, pop art e retratos. A coleção completa pode ser vista na página de Kardos no Flickr.

Não me parece ser tão fácil, mas realmente a tela sensível ao toque, em substituição ao teclado e ao mouse, deve ajudar a fazer trabalhos artísticos. Se você se arriscar a fazer desenhos no seu aparelho, não deixe de nos mandar sua arte móvel e digital. Para se inspirar ainda mais, veja um vídeo de um outro usuário do Brushes em ação.

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Ao invés de utilizar lápis para colorir, o artista Herb Williams faz desse material a base para suas criativas esculturas. Em parceria com a produtora americana Crayola, ele monta esculturas usando lápis. Basta uma base de resina ou madeira para que Williams cole, recorte e crie formas a partir de simples lápis de cor.


Além de esculturas, ele produz também alguns quadros, como o retrato em 3D que pode ser visto abaixo. “Unite”, feito em homenagem à vitória presidencial de Barack Obama, demorou cerca de quatro meses para ser concluído e utilizou aproximadamente mil lápis Crayola em sua produção.



Algumas das obras de Williams podem ser encontradas na loja virtual How do you Vivre, que entrega para todos os cantos do mundo; outras, podem ser encomendadas no próprio site do artista.

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A artista estadunidense Shannon Rankin procura expressar em suas gravuras possíveis conexões entre geografia, anatomia e botânica. Em sua nova série, ela faz uma verdadeira viagem pelo corpo humano. A artista mistura o elemento visual dos mapas a ilustrações anatômicas para explorar temas como viagem, saúde e tempo.

Mapas com limites de montanhas, estradas, lagos e rios são tidos por Rankin como as partes internas do copo, como o aparelho reprodutor e estrutura do esqueleto. Símbolos de cidades se transformam em pontos de acupuntura e as linhas do mediterrâneo e dos rios representam o sistema interno de comunicação e transporte nas mãos da artista. Segundo ela, “a natureza efêmera dos mapas falam da fragilidade e transitoriedade de nossas vidas e do meio ambiente”.



Confira outros trabalhos da artista em sua página do Flickr.

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A artista russa Yulia Brodskaya faz um trabalho incrível com papel. São obras delicadas e que ficam lindas como quadros, cartões ou qualquer outro tipo de decoração. Yulia já ganhou vários prêmios e afirma que a sua grande paixão é explorar as formas de combinar ilustração e tipografia.

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Carole Feuerman não pôde acreditar quando abriu o caixote que trazia a sua escultura Survival of Serena em Miami. "Oh meu Deus" foi tudo o que conseguiu dizer ao encontrar a sua peça - que levou dois anos para ser feita - totalmente quebrada. A escultura de resina havia saído do Museu Nacional da China (onde estava desde as Olimpíadas), passado na Itália e finalmente estava programada para ser exposta em Miami na feira The Art Miami.

Avaliada em 350 mil dólares, o seguro só pagará 9.100. "Foi difícil até respirar. Sinto como se eu estivesse quebrada pela metade também...havia tanto de mim nesta peça. Era tão espetacular. Parecia uma garota de verdade, mas você sabia que não era", conta Carole, em choque. A inspiração para Survival of Serena veio quando a artista sonhou consigo mesma ainda criança, flutuando em um lago.



Os organizadores da maior feira de arte da cidade (que começa hoje e termina no dia 7 de dezembro) decidiu colocar a peça em exposição do mesmo jeito, aos pedaços e no caixote. Apesar da tragédia, Feuerman está disposta a fazer outra Serena - "Eu não me sinto 100% desde esta quebra...mas a vida continua. Eu acho que consigo fazer outra". Serena vai sobreviver.

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A arte e o pensamento ecológico estão cada vez mais próximos. Artistas têm se utilizado dos resíduos do consumismo exacerbado para produzir peças incríveis. É esse o caso da escultura do estadosunidense Rob Pettit. Ela foi feita com 5.000 celulares usados ou quebrados. Uma solução muito criativa para esses aparelhos, que apesar de muito úteis em nossa vida cotidiana, causam imenso estrago quando descartados no meio-ambiente. A escultura está à venda na loja virtual Esty por $3 mil.

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Quem disse que a engenharia é uma ciência insensível? Engenheiros japoneses entraram para a história da arte com esta escultura cinética, que se movimenta. O coração foi vencedor do concurso mundial de arte de 2005.

Criativo, bonito e provavelmente muito complicado de se fazer.

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O artista canadense Cosimo Cavallaro foi criado na Itália, talvez seja daí que tenha vindo a sua paixão por alimentos. Misturar arte com comida é com ele mesmo. Além de dormir em um quarto de queijo, você pode sentar numa cadeira de doce...


...ou deitar em uma cama com presunto!



Cavallaro já expôs em vários lugares do mundo e recebeu diversos prêmios. Ele sugere que nos seus trabalhos existe “a luta entre necessidade e desejo; o conhecido e o desconhecido; a morna segurança do ventre e a gelada incerteza do mundo”. Profundo e saboroso.

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Se você pensou que é efeito de photoshop, está enganado! O belíssimo trabalho acima é uma escultura de cerâmica feita por Tsang Cheung Shing, artista de Hong Kong. Toda a sua exposição tem como tema a mistura de café e chá – estranha para nós, popular para eles.

Essa peça foi batizada de Yunanyang II e está junto de toda a coleção, exposta no aeroporto internacional de Hong Kong. Criativa, diferente e romântica. Difícil não se impressionar com a beleza da escultura.

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Uma das grafites mais legais que eu já vi. Homenagem criativa à Jack Torrance, o maluco vivido por Jack Nicholson no clássico filme de terror O Iluminado, dirigido por Stanley Kubrick.

Juntar duas artes – cinema e pintura – em apenas uma obra com esse efeito impactante é para poucos. Quem disse que grafitar é estragar paredes com pichação sem sentido?

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Dizem que Nova York é a cidade que nunca dorme por causa de sua vida noturna ativa – cinemas, teatros, boates. Para quem deseja conhecer a arte e ao mesmo tempo não dispensa as horas de sono, o Museu Guggenheim traz uma novidade: o Revolving Hotel Room.

Museu ou hotel? Os dois. Até o dia 6 de janeiro será possível dormir uma noite entre as obras de arte mais novas do lugar. Trata-se de um evento cultural que é parte do projeto Revolving Hotel Room, uma habitação onde discos de vidro giram e os turistas podem ficar de pijama e dormir sossegados. E é tudo bem confortável: cama macia, mini bar, chuveiro...

A criadora da idéia é a artista belga Carsten Höller e o êxito é enorme – nem vão vender mais entradas no momento!

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Artistas da Rússia resolveram dar um passo à frente no quesito arte feita com comida. Se pintura com chocolate e escultura com bala de goma já viraram carne-de-vaca (ok, a expressão ficou gastronomicamente estranha), agora a novidade são cópias de obras primas feitas com... salsichas.

Os artistas estão seguindo os passos de Dieter Roth, um artista alemão que usa materiais orgânicos para explorar o conceito de visibilidade do tempo. Ele fez um quadro de um pôr-do-sol feito de fatias de salame, por exemplo.

Além de o material ser inusitado, outra novidade é que as obras não estão lá apenas para serem vistas. Elas estão lá para serem comidas também! É isso mesmo, se você sempre quis dar uma mordidinha na Mona Lisa, aproveite a chance. O único problema é que o quadro está exposto na rua, então poluição e pessoas que gostam de tocar as coisas com a mão suja são fatores que devem ser considerados antes de qualquer atitude.

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Neiman Marcus, famoso por suas idéias inusitadas e esculturas 3D, vem com mais uma novidade. Ele contratou os serviços do incrível artista norte-americano, Nathan Sawaya, para oferecer esculturas confeccionadas a partir de peças de Lego.

Saway é reconhecido mundialmente por sua destreza na construção de esculturas 3D e é um dos seis profissionais certificados pela Lego. As produções são feitas em tamanho e dimensões reais, a partir de fotos de qualquer indivíduo. A única coisa ruim dessa história, é que, para ter uma escultura sua feita com Lego, você terá que desembolsar $60 mil!

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O fascinante ovo Fabergé de 1887 da foto acima pertence à coleção da Princesa Grace de Mônaco. Ficou no país por mais de 30 anos e esta semana ele foi levado para o consulado de Mônaco em Nova York.

A partir de Janeiro de 2009 a obra vai deixar de ser peça de decoração para poucos para virar peça de exposição para todos – graças ao Príncipe Albert II, que herdou o Imperial Blue Serpent Clock Egg em 2005 e permitiu que o ovo viajasse para Cleveland, Ohio.

Esta e mais seis outras maravilhas feitas por Fabergé estarão expostas no Museu de Arte de Cleveland, na exposição Artistic Luxury.

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No grafite, a galeria é composta nos muros das cidades. Ali, as pessoas caminham cotidianamente e têm contato inevitável com a arte e com a mensagem de justiça social muitas vezes presente.

Além dos muros, outra forma de exposição possível é a internet, que aumenta o acesso do público a esse importante elemento do movimento hip hop. A partir desta semana você vai conhecer os sites dos grandes nomes do grafite que fazem da rede um importante espaço de exibição da sua arte.



Bansky, reconhecido grafiteiro londrino, expandiu os limites de Bristol, cidade onde cresceu, colocando parte de seu trabalho na rede. Ele é conhecido por suas intervenções urbanas anti-establishment, tendo interferido em cartazes de lançamento de produtos da patricinha Paris Hilton, e até mesmo no muro que divide a Faixa de Gaza. O artista utiliza o stencil, além da técnica tradicional de grafitagem, o que traz ao seu trabalho uma personalidade bem demarcada.



Além de grafitagem , em seu site, Bansky ainda expõe outros trabalhos plásticos de sua autoria, bem como desenhos, vídeos e interessantes depoimentos. Confira!

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A arte não precisa estar somente em quadros ou esculturas. Pode estar em maçanetas também. Dezesseis artistas do mundo todo fizeram centenas de maçanetas de vidro para abrir portas ou gabinetes e até mesmo para ligar chuveiros. Estão todas expostas no Out Of The Blue, um estúdio de design que vem a ser uma aliança destes artistas.

E a belíssima coleção não está lá somente para exposição, todas as peças estão à venda! O catálogo oferece as maravilhosas maçanetas para o deleite dos olhos.

Confira mais algumas:

Maçaneta Planeta Terra

Maçaneta Flor Roxa

Maçaneta Psicodélica

Maçaneta de Estrelas

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Solução prática para os amantes das artes plásticas que não podem comprar e/ou não tem espaço para levar lindas obras para casa. O site My Own Art Collection pertence ao Arts Council England e permite que o visitante crie a sua própria coleção de obras de arte virtuais.

Todos os quadros, objetos e esculturas são obras reais da arte contemporânea – galerias da Inglaterra e da Escócia estão participando do projeto. O site também oferece empréstimos de 2 mil libras para aqueles que querem começar uma coleção de verdade.

Quem criar e decorar uma sala de arte virtual pode ainda cadastrar a “galeria” no Arts Council e ganhar 500 libras para comprar uma bela peça de verdade!

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Em entrevista recente ao Washington Post, a estudiosa de História da Arte Mary Garrard revelou ao Washington Post que o célebre pintor italiano Rafael utilizou uma inspiração curiosa para retratar Maria, mãe de Jesus, em uma das mais famosas obras do pintor, Alba Madonna. Segundo Garrard, um homem teria sido escolhido por Rafael para servir de modelo para a Virgem, o que, ainda segundo a estudiosa, teria retirado todo o caráter de maternidade – o grande trunfo da mulher – que a famosa figura bíblica naturalmente possuía. Curioso, não?

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Você prestou atenção no canto dos pássaros enquanto caminhava hoje? Observou as nuvens? E os reflexos numa poça d'água?


Como estão as nuvens hoje?

Em tempos acelerados como esses, raramente observamos as pessoas que estão ao nosso redor, quem dirá o ambiente que nos cerca! Para criar outro (ou pelo menos algum) tipo de comunicação e interação urbana, a fotógrafa londrina Anna Hillman, criou o Guerrilla graphics.


O que você vê refletido na poça?

O projeto estimula que as pessoas escrevam em espaços públicos com giz mensagens para questionar, sugerir ou simplesmente apontar algo no ambiente imeditato. Dessa forma, cria-se uma maneira de compartilhar o que se descobre pelo caminho com outras pessoas que possam passar pelo mesmo local mais tarde.


O que é isso?

Além de estimular a percepção de quem intervém diretamente no meio através das mensagens de giz, a mensagem também torna a pessoa que a “recebe” mais atenta ao que está se passando ao seu redor. Um pedaço de céu, musgo, pensamento e tempo na velocidade cega e concreta do dia-a-dia.


Pare um minuto... Assista o mundo passar

Que tal levar um giz na bolso a próxima vez em que for sair?

Sinta o cheiro da chuva


Toque-me

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O homem por trás de todo o império da Playboy, Hugh Hefner, sabe como conquistar seu público. Não só com a ajuda das clássicas fotos de modelos e celebridades, mas também com o apoio de grandes artistas, fotógrafos, ilustradores e escritores, tais como Andy Warhol, Tom Wesselmann e Patrick Nagel.

Tanta arte não poderia passar despercebida. Hefner, ciente disto, juntou todas e pediu para o curador da Playboy, Aaron Baker, organizar as 17 obras de arte mais sexies e humoradas em uma coleção chamada Playboy – The Art of Beauty. Agora tudo está disponível separadamente para leilão para os amantes da arte do mundo todo.

“As 17 peças originais desta coleção representam parte do que os mais extraordinários artistas da Playboy publicaram ao longo deste meio século”, disse Baker. “Através destes trabalhos, esses artistas da Playboy mostram a sua visão da beleza e da quintessência da garota comum (girl next door)”.

A Heritage Auction Galleries, a maior casa de leilão de colecionáveis raros do mundo, organizará o evento no dia 15 de outubro, quando as obras de Playboy – The Art of Beauty irão receber a batida do martelo.

Veja algumas mais obras que estarão no leilão clicando aqui.

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Eis o resultado da “interativiarte”: os designers, artistas e irmãos Stephen e Theodore Spyropoulos projetarão, de forma misteriosa, sinais de fumaça na Trafalgar Square, centro de Londres. Até aí, tudo bem, não é uma grande novidade; contudo, serão os próprios transeuntes que mandarão as palavras a serem exibidas pelo misterioso projetor, por meio do próprio celular e de forma irrestrita. O formato parece muito interessante, mas será que dá certo? Será que as pessoas colaborarão? A intervenção acontecerá em três noites ao longo do mês, ainda não definidas.

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Uma bela exposição que está acontecendo nos Estados Unidos é a “Manuf®actured: The Conspicuous Transformation of Everyday Objects”, que tem como mote, como o nome já sugere, a transformação de elementos comuns do dia-a-dia em verdadeiras obras de arte. Leia o resto do post para conferir mais fotos das criações expostas na Manuf®actured.

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A casa especializada em leilões Sotheby’s colocará uma rara obra de arte à venda no Leilão de Arte Moderna e Impressionista no começo de novembro. Trata-se da obra O Vampiro, do simbolista Edvard Munch.

A tela de 1894 é a única da série The Frieze of Life (O friso da Vida, série que contém O Grito) que não está exposta em nenhum museu. Deve conseguiu no mínimo 35 milhões de dólares na sua primeira vez em leilão.

Depois de passar 10 anos no Met (Metropolitan Museum of Art), o quadro será exibido pela Sotheby’s em Londres e em Moscou no mês de outubro e então retornará para Nova York para ganhar a batida do martelo.

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Você certamente já ouviu falar em combinações midiáticas na arte. Basta conhecer exposições como a FILE e a art.ficial, que aconteceram nas últimas semanas na Avenida Paulista, para entender o que estamos falando. Mas o que acontece quando a combinação de mídias ganha também uma preocupação ambiental manifestada em cores vibrantes?

Acontece Liz Miller. Essa artista se diz inspirada “pela ordem e pelo caos”, mas o que se vê em suas obras é mais um pedido de socorro colorido e sedutor. Impossível ficar indiferente às fotos de sua exposição “Resplendent Reconnaissance”, atualmente baseada no Souix City Art Center. Dá vontade de olhar, tocar e vivenciar a arte de forma intensa.



Conheça mais sobre as obras de Miller no site da artista.

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O artista mundialmente conhecido Damien Hirst arrecadou 200,8 milhões de dólares em apenas dois dias de liquidação de suas criações na loja Sotherby’s, em Londres. Tal número superou todas as expectativas, estabelecendo um novo recorde mundial para um leilão dedicado a um só artista.

Hirst, que já se comparou a Picasso, vai ficar ainda mais “modesto” – o antigo recorde pertencia ao próprio Picasso em 1993 e o valor era dez vezes menor.

A peça Gold-dipped bull, por exemplo, foi vendida por cerca de 18 milhões de dólares. O nome do comprador não foi divulgado, mas desconfia-se que seja Roman Abramovich, visto que sua namorada, Dasha Zhukova, dona de uma galeria de arte, fez um tour exclusivo da Sotherby’s com o próprio Hirst.

O artista afirmou que agora sim ele é um autêntico bilionário. Continua modesto.

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Que tal dar uma de Picasso? Polêmicas quanto à reprodutibilidade da obra de arte à parte, seria uma experiência bastante interessante, não? A proposta do site Mr. Picassohead é possibilitar a produção de retratos cubistas com diferentes cores, traços, formas e movimentos. O programa em Flash é bem simples de ser utilizado e permite até mesmo que você se arrisque num auto-retrato utilizando a estética das perspectivas simultâneas. Depois de feito, você pode salvar o seu trabalho na galeria e enviar o endereço eletrônico no qual a imagem está alocada para o seu e-mail e o de seus amigos. Divirta-se!

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Uma série de propagandas artísticas foi feita para uma companhia local de cafés na Nova Zelândia. Dez artistas criaram 30 obras de arte usando guardanapos de papel, que foram colocadas em pontos de ônibus da rua Auckland para exposição.

A intenção é fazer da rua uma mini galeria de arte e promover o café. O lema “toda pausa [para o café] deve ser inspiradora” é criativo e bem cumprido, trazendo um pouco de arte para a vida de todas as pessoas.

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É como dizem: quando o povo pede... é difícil segurar. Alguns usuários do Youtube se reuniram para reivindicar que a tag “arte” se torne uma categoria no maior acervo online de vídeos do mundo – coisa que até agora, revoltantemente, não aconteceu. São mais de cem gravações, expressões livres de tantas formas artísticas, reunidas nesse pequeno manifesto artístico-internético. O filme tem pouco mais de três minutos e é delicioso. Assista e inspire-se.

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"Paisagem", de João Timótheo da Costa (1879-1932).

Pintores negros do Brasil são tema de exposição que fica até 24 de novembro no Museu Afro Brasil, em São Paulo. Com foco na produção dos séculos XIX e XX, a mostra conta com trabalhos presentes do acervo e outros concedidos por colecionadores.


Obra de Wilson Tibério (1923-2005).

A maior parte do térreo se dedica a óleos sobre tela e madeira, gauches, desenhos, fotografias, documentos e até mesmo um ateliê recriado especialmente para a mostra. Intitulada "Negros Pintores", a exposição conta com curadoria de Emanoel Araújo e é feita concomitantemente com mais quatro outras ("Bijagós - A Arte dos Povos de Guiné Bissau", "Benin Está Vivo Ainda Lá - Ancestralidade e Contemporaneidade", "Formas e Pulos: o Saci no Imaginário", "Itinerarium - Pelo Caminho de Santiago Castilla e Leon). Entre os artistas presentes estão: Arthur Timótheo da Costa (1882-1922), Emmanuel Zamor (1840-1917), Horácio Hora (1853-1890) e Wilson Tibério (1923-2005).


"Retrato de Mulher", obra de Benedito José Tobias (1894-1963).


O Museu Afro Brasil fica na av. Pedro Álvares Cabral, s/n, portão 10, Parque Ibirapuera. A entrada é franca.

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Esse vídeo é relativamente curto – não chega a ter três minutos –, mas lindo. Trata-se de uma pequena homenagem em vídeo feita pelo usuário eggman913 às mulheres retratadas nos últimos quinhentos anos. Você pode encontrar tanto retratos clássicos e famosos, como a Mona Lisa, quanto desenhos de traço fino e estilo moderno. Delicioso e surpreendente.

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Um dos mais belos símbolos paulistanos e um dos mais importantes museus do país ganhará uma merecida reforma, após mais de dois anos de discussão com o Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (Iphan).

O Museu do Ipiranga passará de 6,3 mil metros quadrados para 18 mil, e ganhará uma galeria subterrânea e um prédio anexo, que ficará as partes administrativas do museu.

Com o novo espaço para exposição, obras do acervo que estão guardadas poderão ficar a disposição do público, como os objetos do Santos Dumont. Além disso, o mirante será reaberto, com o acesso por dois elevadores panorâmicos, e dará ao paulistano uma das vistas mais bonitas da cidade.

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Yukio Susuko
Recuperação de Paisagem (São Paulo), 1977

A presença do Japão na cultura brasileira tem despertado atenção e ganho espaço, especialmente neste ano no qual comemora-se o Centenário da Imigração Japonesa. No circuito artístico, japoneses e nipo-japoneses foram influenciados ao longo dos anos por movimentos artísticos ocidentais, sendo introduzidos, inclusive, a técnicas de trabalho em artes plásticas como, por exemplo, o óleo sobre tela. Essa mudança de valores culturais e estéticos tradicionais é um dos temas da exposição “Arte Brasil Japão - Moderno e Atual” no Museu de Arte Contemporânea de São Paulo (MAC-SP).


Tomoshige Kusuno
Minúsculo e Maiúsculo, 1965

A mostra reúne obras do grupo Seibi, formado por modernistas nipo-brasileiros que discutiam um projeto estético próprio em 1935. Outras mais conhecidas dos artistas Flávio Shiró, ManabuMabe, TomieOhtake e Fukushima do período entre-guerras, são caracterizadas pelo abstracionismo e art pop. O acervo também inclui obras datadas na modernização social e revigor artístico da primeira Bienal de São Paulo em 1951, tendo como representantes Toyota, Bin Kondo e Wakabayashi. O evento segue até a atualidade, apresentando composições e artistas de 2008.


Márcia Kikuchi
Sem título, 2006

Entre esculturas, pinturas, gravuras, foto-montagens e instalações, a exposição revela as mais distintas expressões artísticas que reúnem o abstrato, a contestação social, a cultura urbana e as experimentações estéticas. Inovações artísticas que de forma alguma deixaram a tradição japonesa para trás, apenas revitalizaram-na e tornaram-na mais próximas a nós, ocidentais.


Yoko Ono
Riverbed , 1996/2005

A exposição Arte Brasil Japão – Moderno e Atual permanece no MAC USP Cidade Universitária até 7 de setembro de 2008. A entrada é gratuita e as visitas orientadas para grupos podem ser agendadas pelo telefone 11 3091.3328.

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Os adesivos para celulares já estão virando febre. Além de protegerem o aparelho de riscos e quedas, os adesivos também dão muito estilo a ele. E estilo é o que não falta na nova linha da fabricante brasileira iSkin. Reunindo arte e tecnologia, os adesivos se utilizam de expressões das artes plásticas urbanas da contemporaneidade, como o grafite, para ilustrar a superfície dos aparelhos móveis. A tecnologia utilizada na produção dos adesivos é a 3M, que dura cerca de um ano prevenindo arranhões e não deixa resquícios de cola no aparelho quando retirado. A empresa oferece adesivos para 17 diferentes modelos de aparelhos das marcas Nokia, Motorola, LG.



Dentre os artistas que compõem a nova coleção estão: Guilherme Rodrigues, índio oriental e desenhista autodidata, que desenha rostos cubistas; Zélia Trevisan que desenvolve o graffiti, ilustração e a pintura com forte influência de inscrições rupestres da arte indígena e do universo infantil; Jerry Batista que apresenta um traço marcante e farto, com trabalhos realizados para Calvin Klein, Cavalera, Casa das Rosas e outros; Yá, também do grupo de grafiteiros, realiza intervenções urbanas pela colagem de lambe-lambe, técnicas de stêncil-arte e free hand; Iaco que a partir do spray fez desenhos em muros e demarcou intervenções na avenida Paulista até Santo Amaro e Ganu, que se identifica com a arte surrealista.

O trabalho com artistas é realizado em parceria com a Associação Cidade Escola Aprendiz e parte das vendas é revertida a essa ONG. Os preços variam entre 12,90 reais (celulares) a 15,90 reais (iPods e iPhones) e 39,90 reais (notebooks). Os produtos são encontrados nas lojas da rede FNAC.

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Foi descoberta, nessa última quarta-feira, a gravura de uma mulher sobreposta à pintura “Pedaço de grama”, do pintor holandês Vincent Van Gogh. A universidade da Holanda descobriu pequenos pontos do antigo desenho e, com auxílio de raio-X, conseguiu capta-lo por inteiro.

Reciclar as suas telas era um costume comum de Van Gogh. Estima-se que um terço das pinturas mais antigas do artista esteja escondida em telas famosas. A cada descoberta, estudiosos conseguem entender um pouco melhor a trajetória do pintor.

O quadro em questão foi feito em 1887, em Paris, e está exposto em Otterlo, Holanda.

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A pintura “Prisão de Cristo” (ou “O Beijo de Judas”) de Michelangelo Merisi, mais conhecido como Caravaggio por conta da sua cidade natal de mesmo nome, foi roubada na última quarta-feira do Museu de Arte Ocidental e Oriental de Odessa, na Ucrânia. O roubo foi executado enquanto o museu não estava em funcionamento.

Durante duzentos anos, a peça fora tida como desaparecida de sua antiga locação, sendo reencontrada em 1990. Dezoito anos depois, a cena se repete, relembrando a nós, brasileiros, os casos que aconteceram entre dezembro e o começo deste ano, com os respectivos furtos no MASP e na Pinacoteca de São Paulo. O que se ganha roubando uma obra de arte?

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Uma das mais importantes pinturas da história, Guernica foi a representação de Pablo Picasso para os bombardeios sobre a cidade de mesmo nome durante a guerra civil espanhola. Foi pintado em 1937 e, hoje, está no acervo do museu Nacional Centro de Arte Moderna e Contemporânea Reina Sofia, em Madri.

A obra cubista é considerada a mais importante do artista espanhol, falecido em 1973. No entanto, a animadora 3D Lena Gieseke quis dar uma interpretação um pouco diferente à famosa obra. A representação em 3 dimensões da pintura daria, segundo Lena, uma idéia melhor das precisões das linhas, formas e cores de Guernica.

Abaixo, o original de Picasso.

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Inusitada e simpática essa ação do pintor santista Paulo Consentino. O artista filmou a si mesmo enquanto criava a obra “Brazil Rain Forest”, ou Floresta Brasileira. A obra fez parte da Art Week, projeto que visa introduzir artistas do mundo todo por meios digitais. Consentino vem ganhando prêmios com seus projetos irreverentes.

O resultado é lindo, não é? E relativamente instantâneo! Mais rápido que fazer miojo.

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Blu é um artista plástico que, desde 2004, realiza obras das mais inusitadas. Após ter ganho um estilo próprio, Blu se tornou referência na arte contemporânea.

Uma de suas obras é Muto, um slideshow que mostra várias pinturas feitas em seqüência em muros da cidade de Buenos Aires, Argentina. Monocromáticas, as pinturas se complementam e geram um vídeo a partir de sua sucessão – um desenho animado à moda antiga.

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O pintor espanhol mundialmente conhecido por suas intrigantes pinturas, Pablo Picasso, também produziu trabalhos gráficos que incluem várias ilustrações para jornais, capas de livros e até programas de teatro.

 
A Biblioteca de Artes de Berlim (Alemanha) adquiriu a maior coleção de artes gráficas do pintor e a expõe. São 400 trabalhos publicados entre 1902 e 1972. Segundo os pesquisadores, eles foram produzidos ou devido a amizades de Picasso ou seu engajamento com determinadas causas, como a campanha em favor da resistência francesa, o movimento republicano na Espanha, o partido comunista francês e o Segundo Congresso Mundial pela Paz em Londres (foto).

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O quadrinista André Dahmer, autor das tirinhas “Malvados”, lança pela Desiderata as 700 melhores histórias de seus personagens. Conhecidos como “cabeças de girassóis” ou “flores do mal”, eles viraram febre na internet. O número de acessos à webcomic de Dahmer chega a 10 mil em um único dia. As histórias de “Malvados” são famosas pelo humor negro e contemporâneo, que não poupa em termos de acidez. Na grande imprensa, as tiras de “Malvados” já passaram pelo “Jornal do Brasil” e pelo site G1.
Com 112 páginas, o livro custa em média R$ 29,90 e tem prefácio do cartunista Nani.

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O desenho do personagem de mangá e animação, Astroboy, foi reproduzido em um painel de 3,2x2,1 metros com mais de 138 mil tickets de metrô usados. O inovador mural artístico foi criado para comemorar a inauguração de uma nova linha de metrô de Tóquio. Além de ser uma iniciativa muito original e repleta de criatividade, é também amiga do meio-ambiente. Imagine só a quantidade de bilhetes de metrô usados diariamente em todo o mundo que acabam passando longe do reaproveitamento ou da reciclagem.Sen dúvida um destino muito mais interessante que um lixão.

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Imagens das mais reconhecidas obras de arte estão sempre disponíveis numa página do Flickr. Algumas delas são manipuladas digitalmente e contêm alusões a uma linguagem própria da tecnologia e dos internautas. Confira algumas mostras do humor e da sagacidade presentes nestas releituras que explicam a arte para geeks.

A Última Ceia (1495-1498), Leonardo da Vinci

O Grito (1893), Edvard Munch

A Origem do Mundo (1866), Gustave Courbet

Composição com amarelo, azul e vermelho (1921), Piet Mondrian

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A Pinacoteca do Estado também vai reservar espaço para homenagear artistas japoneses no Centenário da Imigração. Para a mostra "Nipo-Brasileiros no Acervo da Pinacoteca" foram selecionadas obras que abordam três fases: a primeira é a Seibi-kai, organização criada em 1935 por artistas plásticos japoneses; a outra contempla artistas que participaram de correntes abstratas entre 1950 e 1970; por fim, é apresentada a fase contemporânea que reúne artistas que utilizam diferentes técnicas e mídias na composição de seus trabalhos. Alguns artistas que terão suas obras expostas são Manabu Mabe , Flávio Shiró, Tomie Ohtake, Tikashi Fukushima, Yutaka Toyota, Lydia Okumura e James Kudo (imagem). A mostra fica em cartaz até 27/7 e pode ser visitada de terças a domingos, das 10h às 18h. O ingresso custa R$4.

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Estas esculturas de animais, representam ao mesmo tempo as preocupantes questões das espécies em extinção e do lixo. As peças utilizam materiais como pneus e vidro e estão presentes na exposição Recycled Sculpture Show( Show de Esculturas Recicladas, em inglês), aberta semana. A exposição, localizada no zoológico de Londres, permanece até 5 de setembro.



"As esculturas realmente provocam um debate sobre os restos deixados pelo homem e o impacto que eles têm no mundo natural", disse a gerente de sustentabilidade do zoológico de Londres, Sophie Townsend.  "Não há melhor ambiente para esse show do que rodeado por algumas das espécies mais ameaçadas do planeta, muitas das quais estão perto da extinção por causa do desejo insaciável do homem por novos recursos", acrescentou Townsend a BBC.



A exposição faz parte uma série de eventos que acontece nas próximas três semanas como parte do festival Love London, Love your Planet (Ame Londres, Ame seu planeta, em inglês). Os tema são conscientização ecológica, sustentabilidade e conservação.

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Histórias em quadrinho são arte – isso é inquestionável. Até Umberto Eco já fez um ensaio sobre o Peanuts (“Minduim”) - presente na obra "Apocalípticos e Integrados", o que só endossa a idéia de que as populares HQs podem ser mais do que simples divertimento de criança.

Apesar de acreditar piamente em tudo o que está escrito no parágrafo anterior, eu acredito também que algumas dessas comics não têm função que não divertir – é o caso da tirinha “animada” do vídeo acima. Não há crítica social, não há uma grande questão filosófica, mas, com certeza, ela é bem feita e muito divertida.

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Se você já ouviu falar muito em nanotecnologia, mas não sabe o que é, faça uma visita ao Museu de Arte Brasileira da Fundação Armando Álvares Penteado que abriga, até o dia 10 de junho, a exposição “Nano, Poética de um Mundo Novo”. Nela, você terá a oportunidade de entender como se comportam os átomos e moléculas em seu próprio mundo, através de imagens processadas eletronicamente. As seis obras da artista midiática Victoria Vesna são baseadas nos estudos do cientista James Gimzewski, da Universidade da Califórnia e têm o objetivo de integrar os visitantes às diferentes vertentes e possibilidades da nanotecnologia.



A mostra mergulha no universo invisível da nanotecnologia, discute seu impacto na cultura e no comportamento humanos, mas também abordar seus aspectos poético e metafórico.  A exposição, que tem entrada gratuita, é realizada pela Faculdade de Engenharia e pela Faculdade de Computação da Faap. Fica aberta de terça a sexta, das 10h às 20h, e aos sábados, domingos e feriados, das 10h às 17h. O Museu de Arte Brasileira da Faap fica na rua Alagoas, 903, no bairro de Higienópolis (São Paulo).

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Garcia Rossi                                               Palatinik

Reconhecida na França da década de 50, a arte cinética tem base expressiva na ilusão de ótica causada pelo agrupamento de alguns elementos estáticos, esse tipo de arte é o foco da exposição “Arte Cinética América Latina”, em cartaz na galeria Bergamin (Rua Rio Preto, 63 - São Paulo - Tel.: (11) 3062.2333).

Os elementos, simples e comuns, quando combinados produzem efeitos misteriosos e complexos. Como declara Jésus Soto, responsável pelo Cubo Virtual, a peça de grande destaque da exposição: “separadamente essas coisas nada são, mas, reunidas, algo muito estranho acontece...todo um mundo de novos significados e possibilidades e revelado pela combinação de elementos simples e neutros”.


Francisco Sobrino                                               Gregorio Vardanega

Estão à mostra 30 obras de alguns expoentes da arte cinética latino-americana, com destaque para os venezuelanos Jesus Soto e Carlos Cruz-Diez, a argentina Martha Boto, o ítalo-argentino Gregorio Vardanega e o brasileiro Abraham Palatnik.  A exposição teve início no último sábado e está aberta à visitação de segunda à sexta das 11 às 19 horas e aos sábados das 11 às 15 horas.

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Os incentivos aos museus e projetos culturais, no Brasil, quase sempre partem de instituições privadas. Com a esperança da mudança, a senadora Ideli Salvatti (PT-SC) havia feito um Projeto de Lei 95/08, para instituir o Fundo Nacional de Desenvolvimento dos Museus. O projeto acaba de ser aprovado em primeira instância no Senado, e vai seguir para a Câmara Federal.



O fundo servirá para apoiar projetos de criação, construção e modernização de museus, e captará doações e recursos públicos, e de pessoas físicas e jurídicas.

Em declaração ao jornal O Estado de S. Paulo, José do Nascimento Júnior, do Departamento de Museus do Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional, disse que o fundo “criará condições de sustentabilidade para as instituições museológicas brasileiras”. Tomara que o fundo não se torne mais uma fonte de desvio das escassas verbas.

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Com trabalhos de artistas contemporâneos chineses valendo milhões de dólares e o número de colecionadores asiáticos crescendo, era só uma questão de tempo para que alguma das grandes galerias de arte de Manhattan instalasse uma sucursal em Pequim. A primeira a fazê-lo é a PaceWildenstein, com a PaceBeijing, que será abrigada na vizinhança mais artística de Pequim, o distrito 798, e terá vinte dois mil metros quadrados de espaço. A empresa, que abriga três espaços nas terras da Estátua da Liberdade, se aventura pela primeira vez fora dos Estados Unidos.


"Large Field Array", de Keith Tyson, exposta em Manhattan ano passado

O projeto custou vinte milhões de dólares e está agendado para estrear no dia 8 de agosto, logo antes das Olimpíadas, evento que aquecerá de vez o turismo da região e trará muitas divisas para a China e seus investidores. O projeto arquitetônico é assinado por Richard Gluckman, que também fez o Andy Warhol Museum, em Pittsburg, e a recente expansão do Museu de Arte Contemporânea de San Diego.

Arne Glimcher, presidente da PaceWildenstein, disse ao jornal The New York Times que “Pequim é caminho para Taiwan e Hong Kong, tudo que se vê lá vende para outras partes da Ásia”. Além de ser benéfica para a economia, a PaceBeijing também foi ótima para exaltar os talentos locais, já que Leng Lin, crítico de arte e curador, foi escolhido pelo Sr. Glimcher para ser o encarregado pela galeria.

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Apesar da fama de ciumentos que os franceses têm com suas obras de arte, cada vez mais trabalhos contemporâneos de artistas nascidos na terra de Napoleão estão parando nas mãos de estrangeiros. O governo do presidente Nicolas Sarkozy já estava trabalhando no problema – mesmo antes de fotos da ex-modelo e primeira dama Carla Bruni-Sarkozy nua serem vendidas a um investidor chinês por US$91 mil semana passada, em Londres.

A atual Ministra da Cultura da França, Christine Marie Albanel, anunciou medidas, que variam desde diminuição de impostos até empréstimos sem juros, para incentivar pequenos negócios a comprar arte e reverter a atual falta de interesse dos franceses em sua própria arte – uma deficiência que está lentamente sangrando uma veia da cultura daquela nação. Albanel disse à revista Time: “Para cada trabalho importado, dois são exportados”.

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Theo Jansen é um holandês formado cientista (física e biologia) pela Universidade de Delft. O que um cientista tem a ver com um blog sobre literatura e arte? Theo é formado cientista, mas sua profissão é artista. As obras feitas por ele têm inspiração nos animais, e são tidas como “vida artificial”. Jansen utiliza como principal material tubos de PVC amarelos. Faz uso de muitas técnicas de engenharia em seus animais, e eles têm como paradigma o uso da energia eólica, o que induz o artista a expor suas obras em praias. Segundo ele “as paredes entre arte e engenharia existem apenas nas nossas mentes”. O vídeo acima é uma propaganda da marca de carros alemã BMW, que patrocina exposições do artista pelo mundo.

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